「どの口が何言うかが肝心」――日本語ラップの「メッセージ」と「主体」 - あしたメディア by BIGLOBE
ヒップホップは、日本語ラップはこの社会に対して、なにを歌ってきたのだろうか。あるいは、日本語ラップは日本社会においていかなる位置を占めているのだろうか。アメリカで、ヒップホップと社会が強い結び付きを得たのは一般に、伝説的な1曲とされるGrandmaster Flash and the Furious Five「The Message」（1982）の瞬間であるとされる。ヒップホップは社会に対して「メッセージ」を持つべきだ、というような考えは、ひとまずここに遡（さかのぼ）ることができる。そしてそれは、日本にヒップホップが輸入されたときから意識されていた。というのは、日本初のヒップホップアルバムと呼ばれる、いとうせいこう『MESS/AGE』（1989）のタイトルを見れば明らかだ。先の1曲のタイトルのなかにスラッシュを差し挟むことで、新たな意味（メッセージ＝混乱した世代）を作り出しているのだ。つま
アートとラップ、アート・ラップの再検討(Earl Sweatshirtとbilly woodsを例に)｜久世
アートとラップ、アート・ラップの再検討(Earl Sweatshirtとbilly woodsを例に) はじめに私たちの生きる現代が獲得したものは、言うことの疚しさだった。 現代という「最新」の時代は、全ての時代にまして物質的な可能性が開かれるのと同時に、「最も経験した時代」として概念的な不可能性が現出する時代でもあった。 例えば思考と存在の統一の崩壊、動物倫理という破壊的な論理的正当性、自由意志が存在しないという事実の確認―そういった不可能さ、不条理が押し上げられ、現前されていくだけの時代。 しかしそれでも突き動かされなければならず、大きな物語を失いながら退屈と繰り返しという平和の暴力性と処世上の苦悩に悩まされ、より正義らしいものを選択するしかない時代。 つまり"自分の限界を避けることができず、さりとてそこに留まることもできない不可能性"をまざまざと見せつけられる時代。 そんな大きな苦悩
ピノ・パラディーノが追求してきた“遅らせた演奏”のグルーブ 〜THE CHOICE IS YOURS - VOL.136 - サンレコ 〜音楽制作と音響のすべてを届けるメディア
原 雅明 ブレイク・ミルズやサム・ゲンデルを本連載で取り上げてきて、彼らと共演したピノ・パラディーノの音楽もあらためて振り返ってみるべきだと感じていた。というのも、ミルズと作った『Notes With Attachments』のリリースに伴って読むことができたパラディーノの幾つかのインタビュー記事が、とても興味深かったからだ。自分は十分に宣伝されてきて、素晴らしい若いプレイヤーの邪魔になりたくないという理由で、パラディーノはインタビューをほとんど避けてきた。『The Guardian』紙は、このウェールズ出身のキャリア豊かで控えめなベーシストを“この40年間、どこにでも現れるようなミュージシャンであったにもかかわらず、パラディーノはミュージシャンの世界では驚くほど匿名の存在であった”と紹介している※1。 ※1 『Notes With Attachments』Pino Palladino &
栗原裕一郎×大谷能生×南波一海が語る、音楽批評の現在地 「内容を薦めるのと、好きだから拡散するというのは違う」
栗原裕一郎と大谷能生による共著『ニッポンの音楽批評150年100冊』（立東舎）は、明治初年前後から令和初頭までのおよそ150年のあいだに、日本において「音楽」がどのように記述され、語られてきたのか、音楽批評の歴史的変遷を辿った一冊だ。 1876年から2025年までを30年ずつに区切り、その「通史」を描きだすとともに、その時代に出版された代表的な「音楽の本」について解説した本書は、インターネットの興隆によって音楽を巡る状況が著しく変化し、批評そのものの是非が問われている昨今にこそ参照したい本である。リアルサウンド ブックでは、著者の栗原裕一郎と大谷能生に加え、本書で音楽批評の最前線にいると紹介される南波一海を招いた鼎談を行った。（編集部） 『ニッポンの音楽批評150年100冊』（立東舎） 南波：改めて栗原さんと大谷さんが本著を著した経緯を教えてください。 栗原：2013年にイベント『ニッポン
荏開津広
執筆／DJ／京都精華大学、立教大学非常勤講師。ポンピドゥー・センター発の映像祭オールピスト京都プログラム・ディレクター。90年代初頭より東京の黎明期のクラブ、P.PICASSO、ZOO、MIX、YELLOW、INKSTICKなどでレジデントDJを、以後主にストリート・カルチャーの領域において国内外で活動。共訳書に『サウンド・アート』（フィルムアート社、2010年）。
DiscCallithump：：review：：Les archives sauvées des eaux/Luc Ferrari avec Otomo Yoshihide
Les archives sauvées des eaux /Luc Ferrari avec Otomo Yoshihide Archives sauvées des eaux ── アルシーヴ・ソヴェ・デゾー。水から救出されたアーカイヴ。厳密にはアーカイヴたち。私たちが自分の人生を，たとえ断片的にでも物語として持とうとするとき，身体化された記憶によって排除される記憶，外部化される記憶がある。年月の経過とともに忘れさられ，ホコリにまみれ，劣化し，廃物化し，ほとんど自然そのものへと変化していく音響アーカイヴ。納骨堂の，モルグの，押入れの奥の，床下の，庭の物置きの，棚のうえの段ボール箱のなかの，天井裏の，楽器庫の片隅の，じめじめとした暗がりに放置された古文書の束，ゆがみはじめた音響テープ，カビのはえたレコード盤。図書館のような公共施設に，なにかの偶然で運びこまれることでもなければ──いやいや
ロカストコンテンツガイド（映像５）『アメリカン・ユートピア』伏見 瞬｜LOCUST（ロカスト）
『アメリカン・ユートピア』を観ていて感じたのは、デヴィッド・バーンは「い～」の歌い手であるということだ。 デヴィッド・バーンといえば、どこか「知性派」、悪く言えば「頭でっかち」の印象を持たれる音楽家だった。トーキング・ヘッズのフロントマンとして1970年代後半に名を成し、今に至るまで現役で活躍する、無感情な歌声の、神経質そうなひょろ長のニューヨーカー。パンク・ムーブメントの中でもトーキング・ヘッズは熱さや衝動とは無縁のインテリ気質を漂わせるバンドであり、R&Bやアフリカ音楽への愛着も、理知的なアウトプットに溶け込んでいた。バーンの声やルックスも含めたキャラクターが、バンドの「頭でっかち」な印象に大きく寄与していたのは間違いない。 そんなデヴィッド・バーンも今や70歳手前。体力は衰えているはずの年齢なわけだが、今回の映画『アメリカン・ユートピア』は、彼のキャリア史上最も肉感的な作品だ。
（聴覚体験としてだけではなく）音楽を聴くこと、理解することについて - 👼と♨️のᎩuКꂅოuᏒᎥ լᕱც
かき氷の味にまつわる例の話 ♨️かき氷の話してもいいですか？ 👼え...？ ♨️ということでこちらの記事をご覧ください。 www.j-cast.com 👼よく話に聞く「かき氷の味、実は全部同じ」ってやつですね。 ♨️記事の中の重要な部分を以下に引用します。 味の錯覚などを研究している東京大学大学院情報理工学系研究科助教の鳴海拓志さんは、かき氷シロップは着色料と香料以外ほとんど同じ原料だと話した上で、「見た目」（視覚）と「匂い」（嗅覚）が味に及ぼす影響の大きさを指摘した。 どちらかが欠けても味に大きな変化をもたらすらしく、「かき氷シロップが無色透明だと匂いを変えても、いちご味かメロン味か、レモン味かは分からないと思います」という。 脳は食べ物の「見た目」と「匂い」のマッチングで味を判断している。外国や異文化の食べ物が苦手だと感じてしまう理由は「見た目とニオイが食べる前に想像していたものと
変遷する阿部薫のサウンド像について | ele-king
3月3日にLOFT 9 Shibuyaで伊基公袁（イギー・コーエン）監督のドキュメンタリー映画『阿部薫がいた documentary of Kaoru Abe』がプレミア上映された。30分に満たない短編映画であり、阿部薫本人の映像は登場しないものの、さまざまな立場の人物による証言から稀代のサックス奏者を新鮮な視点で照らし出す、きわめて現代的な作品に仕上がっていた。 阿部薫の実家には遺影が飾られている。 映画『阿部薫がいた documentary of Kaoru Abe』より。 映画は軋るようなサックス・サウンドを彷彿させる走行音が鳴り響くなか、列車に揺られて阿部薫の墓所へと向かうシーンから幕を開ける。カメラはその後、神奈川県川崎市にある実家を訪ね、住宅の一室で実の母・坂本喜久代が息子との思い出を振り返るシーンを映し出していく。いまやオリジナル盤が70万円もの高額で売買されているというレコ
フィオナ・アップル、誤解と神格化の狭間で 5人の視点で見つめる | CINRA
2020.08.29 Sat Sponsored by フィオナ・アップル『Fetch the Bolt Cutters』 この記事には2つの目的がある。フィオナ・アップルという不世出の音楽家が生み出した『Fetch the Bolt Cutters』から溢れるエネルギーの正体について、複数の視点から思いを巡らせること。もうひとつは、フィオナ・アップルに対する日本語での批評を未来に手渡すこと。フィオナの場合は特に次作がいつ出るのかもわからないわけだが、その来たるべき未来のために、5つの視点からなる2020年時点でのフィオナ・アップル評を、彼女と人生を共にしてきたリスナーのために、フィオナのことをこれから深く知っていこうとするあなたのような人のために残します。 本稿の指針となったのは、『CROSSBEAT』誌1999年12月号と2000年6月号。そこには、純真かつチャーミングで、そして透徹し
ブライアン・イーノ（Brian Eno）の90年代とアンビエントを再考――柴崎祐二 × 伏見瞬 対談 | Mikiki by TOWER RECORDS
ブライアン・イーノ&ジョン・ケイルの90年作『Wrong Way Up』と、イーノ&ジャー・ウォブルの95年作『Spinner』という2作のコラボレーション・アルバムがリイシューされた。それぞれ、リリースから25周年と30周年を記念して、ボーナス・トラックが追加された高音質UHQCD仕様の〈エクスパンデッド・エディション〉としてよみがえっている（『Spinner』にはウォブルの新録曲“Lockdown”が収録）。 Mikikiはこのリイシューを機に、両作とブライアン・イーノというアーティスト、そして彼が生み出した〈アンビエント〉という概念についての対談を実施。語り手の一人は、〈俗流アンビエント〉の提唱者であり、先日刊行された『ニューエイジ・ミュージック・ディスクガイド』に携わるなど、八面六臂の活躍をしている音楽ディレクター／ライターの柴崎祐二。もう一人の語り手は、批評誌「LOCUST」の編
A Letter to RA
Dear Reader My name is Roshan Chauhan also known as R.O.S.H. I make music that is largely classified under the term techno with clearly indebted influences to many of the UK genres that have come before me. I had been making music seriously for 6/7 years when I got picked up by the Noviton Booking Agency in 2018, which coincided with meeting Laurent Garnier - who has been supporting my output rele
The 1975『Notes On A Conditional Form』に潜む〈エモ＝アンビエント〉というコンセプト | Mikiki by TOWER RECORDS
2020年最大の話題作のひとつであるThe 1975の『Notes On A Conditional Form』。グレタ・トゥーンベリの真摯な訴えに始まり、バンド・メンバーへの愛を捧げて終わるこのアルバムは、その多彩な音楽性と長大さから、さまざまな評価がなされている。 今回はそんな『Notes On A Conditional Form』について、新進の批評家で批評 × 旅行誌「LOCUST」の編集長である伏見瞬に執筆を依頼した。伏見が〈アンビエント〉と〈エモ〉、そして〈車〉というキーワードから導き出す本作の一貫したコンセプトとは? ＊Mikiki編集部 『Notes On A Conditional Form』はカオティックで散漫なアルバムか? 2020年の5月22日にリリースされた一つの作品について、多くのメディアやリスナーが〈カオティック〉とか〈断片的〉とか〈散漫〉とかいった言葉を口
生涯学習note2020.05.29 - クラフトワークはいかに後世の音楽に影響を与えたか？（第二回）｜岸野雄一｜note
クラフトワークはいかに後世の音楽に影響を与えたか？（第二回） 前回は、クラフトワークが後世の音楽に与えた影響について、大きく分けて以下の３つのように説明してきました。 １：これまでの音楽史における、固有の楽器のイメージから離れた音色をシンセサイザによってクリエイトし、周波数で重心を思考してアンサンブルを構築した。 ２：特に打楽器のパートをシンセサイズしたことによって、音楽における低音域の表現領域を拡大した。 ３：結果的に、重低音を重んじるダンス・ミュージックとの親和性を獲得した。 今回はさらに別な角度からの影響関係を掘り下げていこうと思いますが、前回、クラフトワークの影響を語る際に、ブラック・ミュージックという言葉を多用しました。実のところ、私はこの言葉が好きではありません。21世紀の現在、音楽を人種で語ることはナンセンスですし、弊害も多いです。しかしながら本論稿では、歴史の解析という目的
バルトーク論
◆PART１：バルトーク、理知的に思考するオカルト世界 ◆吉松隆の左脳（談）「バルトークの音楽について考えると、いつも右脳と左脳とのバトル・トークになるんですよね。 どうしてかと言うと、この人の音楽って多面体なんですよ。知的で晦渋だと思ってると結構明るくて脳天気だし、真面目一辺倒かと思ってると意外に皮肉屋で遊び心がある。根底にあるのは祖国ハンガリーの土着の民族音楽なんですけど、それにＲ＝シュトラウスやドビュッシーの近代和声とストラヴィンスキーの原始主義的リズムの味付けが加わり、さらにシェーンベルクの十二音に対抗するかのような知的作曲法がその上にかぶさってる。 この、まるっきり異質で本来は混じり合いっこない素材３つに固執した挙げ句の個性こそが、バルトークの面白さであり、わけの分からなさなんですよね。 それに、この人、語法が民族的と純粋思考的との間を揺れているわりには、文学的には結構オカルト趣
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The 200 Most Important Artists of the Last 25 Years
「バレンシアガ」とvalkneeのクリエイションから考える、消費社会への批評性と“新しさ”／連載「痙攣としてのストリートミュージック、そしてファッション」第13回 - TOKION
新作オペラ『Super Angels』で渋谷慶一郎が賭けたもの、あるいはカニエ・ウェストとの近似性について - TOKION
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加藤 賢 (Ken Kato) - 渋谷に召還される〈渋谷系〉——ポピュラー音楽におけるローカリティの構築と変容—— - 論文 - researchmap